This article explores the use of mobile phones as portable remediated sound devices for mobile listening — from boom boxes to personal stereos and mp3 players. This mode of engaging the city through music playing and listening reveals a particular urban strategy and acoustic urban politics. It increases the sonic presence of mobile owners and plays a role in territorialisation dynamics, as well as in eliciting territorial controversies in public. These digital practices play a key role in the enactment of the urban mood and ambience, as well as in the modulation of people's presence — producing forms of what Spanish architect Roberto González calls portable urbanism: an entanglement of the digital, the urban and the online that activates a map of a reality over the fabric of the city, apparently not so present, visible and audible
Introduction: The intercultural approach to indigenous peoples in the American continent requires knowledge of the concepts and cultural practices that favor or impair health, considering their own perspective.Objective: To understand the meaning of health and mental health in the context of a Muisca community from Cota, Colombia, as well as the potential of music therapy to promote health.Materials and methods: Case study with a qualitative approach —social research of second order. Data collection included social cartography, in-depth interviews, focus groups, participant observation, and music therapy sessions.Results: This community has a different conception of health in relation to the beliefs of the dominant society, since health and mental health are not separate ideas. Music is integrated to community activities and health practice.Conclusions: The re-indigenization process is a political decision with cultural, health and organizational consequences. This type of communities cannot be equated with the dominant society or other indigenous groups in terms of health decisions. Public health requires an intercultural dialogue to work adequately with these communities. ; Introducción. El enfoque intercultural hacia las comunidades nativas americanas requiere el conocimiento de los conceptos y las prácticas que favorecen o perjudican la salud de estas poblaciones desde su propia perspectiva.Objetivo. Comprender el significado de salud y salud mental que circula en las narrativas de la comunidad reetnizada indígena muisca de Cota y el potencial de la musicoterapia comunitaria para promoverlas.Materiales y métodos. Estudio de caso con enfoque cualitativo tipo investigación social de segundo orden. Para la recolección de datos se utilizó cartografía social, entrevistas a profundidad, grupos focales, observación participante y proceso musicoterapéutico.Resultados. La comunidad maneja un concepto de salud diferente al de la sociedad mayoritaria. No hay división entre los conceptos de salud y salud mental. La música está integrada a las actividades comunitarias y de sanación.Conclusiones. La reetnización es una decisión política con implicaciones culturales, organizativas y de salud. Las comunidades reetnizadas no pueden ser equiparadas con la sociedad dominante ni con otros grupos indígenas en cuanto a decisiones en salud. La salud pública requiere un diálogo intercultural que permita el trabajo adecuado con estas comunidades.
In this article, the author attempts to frame a response to a question raised by the editors of The British Journal of Music Education: What is meant by music education and what experiences should be required. The author rejects an analysis or present programs as there is little consensus on successful programs. The author takes a step back and investigates the influence of the government that supports education, how teachers are education, relevant research in the arts, from a national or world culture, or from professionals in music. Music education is unique and not influenced by the state or the preparation of teachers. The present curriculum is influenced, without any research, by individual teachers who believe in world, rather than national citizenship. A history of culture, an analysis of how students respond to a work of art, and the ideas of a cross-cultural professional musician with a commitment to education do have a basis in qualitative research and can provide meaningful music education ; En este artículo el autor intenta bosquejar una respuesta a una cuestión planteada por los editores del British Journal of Music Education: qué se entiende por educación musical y qué experiencias deberían requerirse. El autor rechaza un análisis sobre los programas actuales ya que existe escaso consenso sobre qué tipo de programas tienen éxito. Examina la cuestión con una mirada más amplia e investiga sobre la influencia de los gobiernos en el modo en que respaldan la educación, sobre cómo son educados los docentes, y la importancia de la investigación relevante en el campo de las humanidades, desde una cultura nacional o global, o de los profesionales de la música. La educación musical es muy singular, y no está influida por el estado o por la preparación de los profesores. El currículo actual está influenciado, sin ninguna investigación, por profesores individuales que creen en la ciudadanía global en lugar de en la nacional. La historia de la cultura, un análisis de cómo los estudiantes responden a una obra de arte, y las ideas de un músico profesional intercultural con un compromiso con la educación tienen todas su base en la investigación cualitativa y pueden proporcionar una educación musical que tenga un significado importante y valioso.
Rebel Music", from the 1974 Natty Dread album, is a classic articulation of Marley's liberatory politics. Though the album credits state that the song was written by Aston Barrett and Hugh Peart, the vision is unquestionably Marley's. "Rebel Music" both roadblock and curfew become symbols of a larger system of brutality with its roots in plantation slavery.
La integración regional en Latinoamérica es un proyecto cultural y político con bases económicas e históricas que puede nutrirse de la historiografía musical para su proyección simbólica e identitaria. La construcción de las identidades culturales abreva en los aportes que los músicos profesionales realizan sobre la producción musical actual y del pasado. Este proyecto se propone indagar marcos teóricos posibles para un estudio histórico de las músicas latinoamericanas. ; The regional integration in Latina America is a cultural and political project with economic and historical bases that can be nourished with the musical historiography for its symbolic and identity projection. The construction of cultural identities is nourished by the contributions that professional musicians make on the current and past musical production. This project aims to question possible theoretical frames for a historical study on Latin American music. ; Facultad de Bellas Artes
Rebel Music", from the 1974 Natty Dread album, is a classic articulation of Marley's liberatory politics. Though the album credits state that the song was written by Aston Barrett and Hugh Peart, the vision is unquestionably Marley's. "Rebel Music" both roadblock and curfew become symbols of a larger system of brutality with its roots in plantation slavery. ; "Rebel Music", del álbum de 1974 Natty Dread, es un clásico de la articulación política liberadora de Marley. Aunque los créditos del álbum afirman que la canción fue escrita por Aston Barrett y Hugh Peart, la visión es, sin duda, de Marley. En "Rebel Music" los toques de queda y las restricciones de movilidad se convierten en símbolos de un sistema más amplio de brutalidad con sus raíces en la esclavitud en las plantaciones.
Music therapy researchers and clinicians widely discuss music's therapeutic benefits, but have largely overlooked the potential for harm to arise within music therapy sessions. This important topic may be neglected due to its complexity; defining and understanding negative effects of music and music therapy are difficult endeavors. However, the music therapy profession may make progress on several professional issues (e.g., governmental recognition, educational standards) by examining the potentially harmful effects of music-based interventions. Mentions of harm within music therapy literature are irregular and imprecise, perhaps because the field lacks a theoretical structure to organize this complicated subject. This paper presents the Music Therapy and Harm Model (MTHM), which aims to conceptualize six potential sources of harm within clinical music therapy practice. Specifically, these potential sources include 1) the music presented, 2) the music therapist, 3) the therapeutic application of music, 4) the therapeutic relationship, 5) client-specific music associations, and 6) ecological factors. This paper illustrates each source with examples of either physical or psychological harm. Furthermore, these same factors are theorized to act as protective elements that allow music therapists to remediate instances of harm and promote client resilience in the face of negative music therapy experiences. The MTHM is further conceptualized with a brief literature review surrounding harm within music therapy practice, along with related research in psychotherapy. Finally, this article lays out the clinical, educational, advocacy, research, and global implications of the MTHM. ; Los musicoterapeutas clínicos e investigadores discuten ampliamente los beneficios terapéuticos de la música, pero han pasado por alto en gran medida la posibilidad de que surjan daños durante las sesiones de musicoterapia. Este tema importante puede pasarse por alto debido a su complejidad. Definir y comprender los efectos negativos de la música y la musicoterapia son tareas difíciles. Sin embargo, la musicoterapia puede progresar en varios temas (por ejemplo, reconocimiento gubernamental, estándares educativos) al examinar los efectos potencialmente dañinos de las intervenciones basadas en la música. Las menciones al daño dentro de la literatura de musicoterapia son irregulares e imprecisas, quizás porque el campo carece de una estructura teórica para organizar este complicado tema. Este artículo presenta el Modelo denominado "Music erapy and Harm Model" (MTHM), el cual tiene como objetivo conceptualizar seis fuentes potenciales de daño dentro de la práctica clínica de la musicoterapia. Específicamente, estas fuentes potenciales incluyen 1) la música presentada, 2) el musicoterapeuta, 3) la aplicación terapéutica de la música, 4) la relación terapéutica, 5) las asociaciones musicales específicas del cliente y 6) los factores ecológicos. Este documento ilustra cada fuente ejemplificando cada posible daño físico o psicológico. Además, se teoriza que estos mismos factores actúan como elementos protectores que permiten a los musicoterapeutas remediar casos de daño y promover la resiliencia del cliente frente a las experiencias negativas de la musicoterapia. El MTHM se conceptualiza aún más con una breve revisión de la literatura sobre el daño dentro de la práctica de la musicoterapia, junto con la investigación relacionada en psicoterapia. Finalmente, este artículo expone las implicaciones clínicas, educativas, de promoción, de investigación y globales del MTHM.
[ES]En los últimos años, han aparecido nuevos enfoques, métodos y formas de entender el aprendizaje. Aprendizaje Integrado de Contenidos y Lenguas Extranjeras o Aprendizaje de la Lengua Asistido por Ordenador son algunos de estos nuevos paradigmas que tiene un rol importante en el día a día de la escuela. Gobiernos, asociaciones, padres, profesores y estudiantes se están dando cuenta de estos cambios y demandan nuevos e innovadores recursos para mejorar su aprendizaje. Sin embargo, en el campo de la Música combinado con la metodología AICLE no ha habido el mismo avance que en otras áreas. Para este proyecto he analizado una serie de recursos y actividades que se centran en enseñar Música en un entorno AICLE, para así demostrar sus ventajas e inconvenientes. Luego, presento y explico varios recursos y sugerencias que he realizado para así ayudar a mejorar el uso del enfoque AICLE en la enseñanza de la Música. ; [EN]New approaches, methods and ways of understanding the teaching have appeared in the last years. Content and Language Integrated Learning (CLIL), or Computer Assisted Language Learning (CALL) are some of these new paradigms that have a significant role in our current schools. Governments, associations, fathers, teachers, and learners are becoming aware of these changes and they demand new and innovative resources in order to improve their learning. However, in the field of Music, CLIL methodologies have not developed as in other areas. In this project I have analysed a series of resources and activities which focus on teaching Music in a CLIL environment, in order to address their advantages and pitfalls. Then, I present and explain resources and suggestions that I have made to enrich CLIL Music lessons and so help to promote the use of CLIL in the teaching of Music.
This article presents a double itinerary: on the one hand, it approach the crossover between musical culture and the crisis of bourgeois society in the thought of Hanns Eisler, published in Musik und Politik (1973, 1982 and 1983). On the other hand, his music will be considered mainly in Kuhle Wampe (Slatan Dudow, 1932) and Hangmen Also Die! (Fritz Lang, 1943). The choice of examples is due to the following reasons: the first one dates from the year before the rise of Nazism, which allows us to trace the line of work prior to the American exile and is nourished by Eisler's experience in Berlin, deeply influenced by the workers' struggle and, specifically, his participation in the workers' choirs. The second was shot in Hollywood, while Eisler was working with Adorno in the Film Music Project (financed by the Rockefeller Foundation). Both examples allow us to trace the practical drift (and its possible deviations) of his political commitment. ; En este artículo se propone un doble itinerario: por un lado, analizar el cruce entre la cultura musical y la crisis de la sociedad burguesa en el pensamiento de Hanns Eisler, publicado en Musik und Politik (1973, 1982 y 1983). Por otro lado, se considerará su trabajo compositivo fundamentalmente, en Kuhle Wampe (Slatan Dudow, 1932) y Hangmen Also Die! (Fritz Lang, 1943). La elección de los ejemplos obedece a los siguientes motivos: la primera data del año antes del ascenso del nazismo, lo que permite rastrear la línea de trabajo previa al exilio norteamericano y se nutre de la experiencia de Eisler en Berlín, profundamente influenciada por la lucha obrera y, en concreto, su participación en los coros de trabajadores. La segunda fue realizada ya en Hollywood, a la vez que Eisler trabajaba con Adorno en el Film Music Project (financiado por la Fundación Rockefeller). Ambos ejemplos permiten rastrear la deriva práctica (y sus posibles desvíos) de su compromiso político.
Music & Politics is a monographic issue that has at its origin the increasing need to understand how musical phenomena have interacted historically with a variety of political situations. This socio-cultural relationship has manifested itself historically, both in the capability of musical phenomena to support or represent relevant social movements –political cultures–, and in the historiography of the numerous policies subsequently developed by all kind of institutions concerning music –cultural policies–. The articles collected here illustrate a few examples of the ways in which political ideas have been popularly expressed through music, as well as some institutional regulations created to control these expressions. ; Música & Políticas es un monográfico que aparece de la necesidad creciente de comprender cómo los fenómenos musicales han interactuado históricamente con diversas situaciones políticas. Esta relación sociocultural está históricamente constatada, en lo que se refiere a la capacidad de los fenómenos musicales de vehicular o representar movimientos sociales relevantes –culturas políticas–, pero también en la historiografía de las muchas normativas que todo tipo de instituciones han desarrollado como consecuencia en torno a la música –políticas culturales–. Los artículos aquí contenidos muestran varios ejemplos de cómo se han expresado popularmente ideas políticas a través de la música, y también de algunas regulaciones institucionales suscitadas con el objeto de controlar estas expresiones.
La importancia de la música en la Educación Primaria ha quedado reflejada a través de números estudios que han demostrado que la música conlleva el desarrollo de una gran cantidad de capacidades jugando un gran papel en cuanto a percibir e interiorizar el orden, dominar el espacio, la lateralidad, la coordinación (de las cuales van a depender la lectura y escritura) y un largo etc. El problema actual radica en que ninguna legislación ha prestado atención a las posibilidades de la música en la escuela, reduciendo su ámbito de actuación. ; The importance of music in Primary Education has been reflected through studies numbers have shown that music involves developing a lot of skills that play an important role in the perception and internalization of the order, dominate space, laterality, coordination (of which depend reading and writing) and etc. The current problem is that there is no legislation has paid attention to the possibilities of music in school, reducing its scope.