Soon after the end of the second World War, Fiera di Milano (Milan trade exhibition) was eager to demostrate the Italian spirit of rebirth. Companies and enterprises invested in the design and building of pavilions, involving artists, architects and graphic designers like Erberto Carboni, Marcello Nizzoli, Enrico Ciuti, Franco Albini. Enrico Mattei, Agip and later Eni's president wanted to emphasize Italian energy politics based on gas, and, as this essay describes, Italian gas pipelines net was the central theme of Agip and Eni's presence at the Trade Fair. The story of Agip and Eni pavilion from 1949 to 1964 involves architects like Mario Bacciocchi, who designed the building, Carlo Mollino with Franco Campo, Carlo Graffi and Max Huber, Achille and Piergiacomo Castiglioni, BBPR, Errico Ascione. Particularly important was the presence of Leonardo Sinisgalli, the engineer-poet who directed Eni's communication section from 1958 to 1963. He left the company after Mattei's death, but he was also aware that the communication in the world of mass production and culture was radically changing and poets were being substituted by copywriters.
Il M.A.M., Matri-archivio del Mediterraneo. Grafie e materie è una piattaforma di archiviazione digitale – pensata e realizzata da un gruppo di ricercatrici afferenti all'Università degli Studi di Napoli "L'Orientale" – che mira a conservare e trasmettere, nella contemporaneità, le opere estetiche e performative delle artiste mediterranee. Questo intervento intende illustrare lo sviluppo di tale progetto archivistico; in particolare, esso vuole tratteggiare, cercando di suggerirne la ricchezza, una veloce panoramica di alcune delle opere che animano e 'attraversano' l'architettura poetica, politica, e quindi tecnologica, su cui si fonda la concezione del M.A.M. L''attraversamento' – il transito creativo tra i confini estetici, geografici, culturali e identitari – si fa esercizio di creazione artistica e, insieme, metodo di consultazione di questo archivio. La proposta è d'immaginare, tra i tanti, un possibile percorso di "selezione" che accomuna, e al contempo distingue, la pluralità delle espressioni "grafiche" e "materiche" raccolte sulla piattaforma, per approdare, infine, solo per il tempo e lo spazio che questa scrittura consente, alla creatività mediterranea offerta dalla coreografa franco-algerina Nacera Belaza, la cui opera, La traversée, danza e "transita" nel Matri-archivio.
Significativa cittadella monastica lombarda, la Certosa di Milano fu fondata il 19 settembre 1349 dal vescovo e signore della città Giovanni Visconti che, con beni personali, ne finanziò la costruzione. Strategicamente connessa alla politica edilizia della nobile casata milanese, il monastero certosino fu visitato da Re, artisti e letterati che ne lodarono lo splendore. Con la soppressione avvenuta nel 1782 iniziò un travagliato periodo caratterizzato da ruberie, distruzioni, dispersioni e abbandono dei contadini che lavoravano per i monaci, che culminò con la trasformazione di questo territorio in "luogo notoriamente malsano". ; Significant Lombard monastic citadel, the Certosa di Milano was founded on 19 Septeber 1349 by the bishop and lord of the city Giovanni Visconti who, with personal assets, financed its construction. Strategically connected to the building policy of the noble Milanese family, the Carthusian monastery was visited by kings, artists and writers who praised its splendor. With the Suppression in 1782 began a troubled period characterized by the robbery, destruction, dispersion and abandonment of the peasants who worked for the monks, which culminated with the transformation of this territory into a "notoriously unhealthy place".
"URBAN. Quality of Life and Social Innovation in Milan ", a review of meetings promoted by the Department of Sociology and Social Research of the University of Milan-Bicocca, which aimed to consolidate the relationship between University and City. Four days of meetings dedicated to the evolution and changes that are affecting the city of Milan and more generally the metropolises as places in which transformations, inequalities, social problems but also their solution are measured: Thursday 4, Friday 5 , Saturday 6 and Sunday 7 May 2017. 4 THEMES: welfare, society, innovation and territory. Over 20 events spread throughout the city: seminars, debates, photo exhibitions, theatrical, musical and artistic performances, on different themes: health, mobility, safety, sustainability, young and old, domestic violence and much more. MORE THAN 100 SOCIAL SCIENTISTS, EXPERTS and ARTISTS to bring sociology to the city and present to citizens the surveys, proposals and reflections of the Department of Sociology and Social Research of the University of Milan-Bicocca. A great opportunity to spread knowledge on the territory open to all citizens.
The article deals with the Israel-Gaza conflict of 2014, in which the rights of Palestinian children and youth have been trampled on in many circumstances. Therefore the inquiry is about the possibility of adult education in the involved communities, in order to protect children from violence. The Palestinian thinker Edward Said, through his writings Orientalism and The Question of Palestine, tried to explain the historical reasons of the Israeli-Palestinian conflict according to a Marxist dialectical view. The occupation and repression of the Palestinans has been possible because of the deep hegemonic role that Zionist ideology played and still plays worldwide. A cultural and intellectual road-map is traced by many Jewish and Arab artists and scholars, leading to a more authentic view of the adversary's reasons and identity, relieving itself off of false beliefs. Adult education in Palestine, of which some different experiences are described, should aim at developing peace and resistance by nonviolent thought and practices. The educational and cultural work, however, shouldn't remain on an informal, abstract level, but should obtain a response by the institutional, political and diplomatic world.
The discovery of the Vitruvian code constituted a revolution for architecture by promoting the meeting of architects-artists with learned humanists. The civil life of the lively Renaissance city had given impetus to the ethical and political ideals of humanists, while the meeting and exchange had determined the formation of public space. In this context, the humanistic library is created, a space designed according to the Renaissance ideal to host a collection of codes created according to the new bibliographic canon. The correspondence between the library aspects and the architectural aspects becomes the humanistic library in the Renaissance representation in a reference model. ; Il rinvenimento del codice vitruviano costituì per l'architettura una rivoluzione favorendo l'incontro degli architetti-artisti con i dotti umanisti. La vita civile dell'animata città rinascimentale aveva dato impulso agli ideali etici e politici degli studiosi, mentre l'incontro e lo scambio avevano determinato la formazione dello spazio pubblico. In questo contesto si realizza la biblioteca umanistica, uno spazio ideato secondo l'ideale rinascimentale per ospitare una raccolta di codici costituita secondo il nuovo canone bibliografico. La biblioteca umanistica nella corrispondenza tra aspetti bibliotecari e aspetti architettonici diviene nella rappresentazione rinascimentale un modello di riferimento.
Oltre al "ritorno alla pittura", nell'arte degli anni Ottanta del Novecento si assiste al ritorno a pratiche considerate prima di allora prevalentemente artigianali o marginali quali il ricamo e la tessitura. In un periodo caratterizzato dalla grande libertà e dalla possibilità di mescolare l'alto e il basso, il filo e il tessuto diventano potenti alleati degli artisti, ma soprattutto delle artiste. Negli anni Ottanta il ricamo e la tessitura si trasformano in mezzi multiformi di comunicazione personale e politica. Dai coloratissimi Femmage di Miriam Schapiro alle opere tessute a mano di Magdalena Abakanowicz, dai Libri di Maria Lai ai ricami di Alighiero Boetti, nelle opere d'arte create da questi artisti con il cucito e la tessitura appaiono tutta una serie di temi che saranno di grande importanza per gli artisti degli anni Novanta del Novecento, se non altro per il comune sintonizzarsi su narrative che da private diventano pubbliche e politiche. L'obiettivo è di ripercorrere alcune di queste questioni fondamentali affrontate dagli artisti degli anni Ottanta prendendo come punto di vista le opere create con stoffe, fili e tessuti: una storia che, per certi versi, ha ancora molto da raccontare.
L'elaborato ha lo scopo di indagare l'identità intersezionali dei tre artisti oggetto di analisi: Reinaldo Arenas, Pedro Lemebel e Nahum B. Zenil, in relazione alle opere letterarie e artistiche da essi prodotte negli anni Novanta del Novecento. Particolare attenzione è stata posta sui testi autobiografici e i ritratti, in modo da evidenziare le relazioni tra storia individuale e Storia collettiva. Ampio spazio è stato riservato ai linguaggi e alle estetiche dissidenti, a partire dalle teorie elaborate da Judith Butler, su base derridiana, inerenti gli enunciati performativi e alle teorie di Angvik e Ricardo Llamas inerenti le tanatografie e le sidentidades. ; The paper aims to investigate the intersectional identity of the three artists analyzed: Reinaldo Arenas, Pedro Lemebel and Nahum B. Zenil, in relation to the literary and artistic works produced by them in the nineties of the twentieth century. Particular attention was placed on autobiographical texts and self-portraits, in order to highlight the relationship between the individual and collective history. Ample space has been reserved to the languages and aesthetic dissidents, from theories developed by Judith Butler, based on Derrida, the inherent performative utterances and theories of Angvik and Ricardo Llamas inherent tanatografie and sidentidades.
Il lavoro, dal titolo "Ri-posizionare lo sguardo. Rappresentazioni di razza e genere nell'immaginario coloniale e (contro)visuale italiano", indaga l'intersezione del genere e della razza nelle rappresentazioni visuali delle donne nere nell'Italia contemporanea, in relazione con la costruzione coloniale dell'immaginario relativo alla nerezza femminile, nonché le contro-rappresentazioni proposte da giovani artiste italiane afrodiscendenti. Il lavoro risulta suddiviso in tre capitoli: 1. Il primo capitolo è costituito da una disanima della nascita ed evoluzione del concetto di "razza" in prospettiva storica: a partire dai primi processi di razzializzazione nel contesto della colonizzazione dell'America, viene ricostruito il percorso diacronico che il concetto di "razza" ha compiuto, evidenziandone, da una prospettiva intersezionale, la relazione con lo sviluppo capitalistico, con il colonialismo e con l'imperialismo e ponendo in luce la funzione predominante che esso ha svolto nella definizione delle identità nazionali occidentali (primo paragrafo). Viene inoltre tracciata una panoramica sul dibattito e la produzione teorica relativa a razza e razzismo dai primissimi anni Novanta a oggi, di cui vengono evidenziate differenti fasi in relazione non solo ai cambiamenti sociali connessi con le migrazioni ma anche agli impulsi teorici provenienti da altri Paesi (secondo paragrafo); 2. nel secondo capitolo viene articolata l'analisi delle fonti visuali selezionate: dopo una presentazione degli studi sulla cultura visuale da un punto di vista teorico e metodologico (primo paragrafo), vengono prese in esame le rappresentazioni delle donne nere nelle pubblicità italiane negli ultimi trent'anni. In particolare, costituisce oggetto di analisi una selezione di immagini pubblicitarie di caffè e cioccolato - prodotte da marchi quali, tra gli altri, Magnum, Universal e Lavazza - nelle quali viene esplorata non solo la riproposizione di un immaginario coloniale ma anche il modo in cui la razzializzazione del corpo femminile nero sia funzionale o alla sua ipersessualizzazione e identificazione con il prodotto stesso o alla riaffermazione per contrasto del carattere normativo della bianchezza. Tale analisi pone in luce, inoltre, lo stretto legame tra razza, genere, sessualità, politiche del gusto e consumo nella strutturazione di un preciso ordine sociale bianco, maschile ed eteronormativo (secondo paragrafo). Infine vengono presi in esame due casi di studio relativi a fatti di cronaca avvenuti in Italia nel 2017 e 2018 e che hanno avuto per protagoniste due donne migranti. Di tali episodi viene esplorata la rappresentazione delle due donne nella narrazione visuale mainstream sia tramite fotografie utilizzate dalla stampa sia tramite vignette. Della narrazione che emerge da tali fonti viene posta in luce la negazione dell'agency delle donne rappresentate e la riproposizione di processi di vittimizzazione e stereotipizzazione, nonché la funzione di dispositivo di potere svolta dallo sguardo e dall'osservazione (terzo paragrafo). 3. Il terzo capitolo è dedicato all'analisi delle rappresentazioni contro-visuali che artiste italiane afrodiscendenti oppongono all'immaginario dominante, riappropriandosi della narrazione delle proprie identità. Il primo paragrafo è dedicato al paradigma dell'afrofuturismo femminista che, declinato nel contesto italiano, trova espressione nella musica della cantante e beatmaker Karima 2G, italiana di origini liberiane. Il secondo paragrafo si focalizza sulla produzione artistica della graphic-novelist Takoua Ben Mohamed, italiana di origini tunisine, che, nelle proprie strisce a fumetti e nelle due graphic novel pubblicate, ribalta gli stereotipi relativi alle donne non bianche e musulmane e racconta un nuovo modo di concepire l'identità italiana, non necessariamente bianca e sicuramente non uniforme. In entrambi i casi le analisi dei significati di cui le produzioni artistiche sono portatrici vengono condotte in relazione alle testimonianze e alle riflessioni delle artiste intervistate. Il lavoro si pone l'obiettivo di rintracciare le eredità del colonialismo – inteso non solo come fenomeno storico e politico ma anche come sistema di simboli, ideologie, immaginari che ha plasmato l'ordine sociale, politico e culturale contemporaneo – nelle rappresentazioni visuali proprie di quei prodotti culturali, come ad esempio le pubblicità, che raggiungono il pubblico di massa e la cui importanza è data dalla loro presenza costante, quotidiana e apparentemente neutra nelle vite di ognuna/o. Ulteriore obiettivo è infatti quello di esplorare la visualità come campo di riaffermazione del "regime scopico della razza" e come canale di sedimentazione di stereotipi razzisti e sessisti. Infine, l'elaborato intende mostrare le espressioni di contro-visualità con le quali giovani donne italiane afrodiscendenti prendono parola con la propria arte su tematiche quali il razzismo, i pregiudizi, la cittadinanza, l'identità e, opponendosi alla tendenza che le rende oggetto di osservazione e definizione, si riappropriano dello sguardo e della propria rappresentazione.
2010/2011 ; Lo studio ha analizzato la presenza degli scultori italiani a Parigi dall'inizio del XX secolo alla fine degli anni Trenta, con l'obiettivo di ricostruire un capitolo importante della storia degli scambi artistici in Francia. Ci siamo serviti del metodo storico-filologico che è stato applicato agli scritti critici e alla stampa d'epoca. Per quel che riguarda l'inizio del secolo, abbiamo rilevato una partecipazione italiana considerevole ai principali eventi espositivi della capitale come i Salons ufficiali; il successo commerciale e di pubblico aveva consentito loro di ottenere un certo spazio tra gli artisti alla moda più conosciuti. Nel corso degli anni Venti abbiamo notato un numero meno significativo di scultori, interpretando questo fatto alla luce della situazione storica italiana, sottomessa a importanti cambiamenti, successivi all'ascesa del regime fascista. Gli italiani che si trovavano ancora in Francia in seguito alla Prima Guerra Mondiale non si inserivano pertanto all'interno delle ricerche artistiche italiane, dal momento che sostenevano degli indirizzi estetici ormai sorpassati. L'ultima parte del nostro studio si è concentrata sullo sviluppo del nuovo linguaggio artistico della penisola italiana, diffuso ormai anche all'estero. Gli scultori italiani potevano partecipare di conseguenza all'attività espositiva di Parigi, e mostrare il volto di una plastica finalmente cosciente delle proprie potenzialità. La Francia da parte sua acccoglieva di buon grado questo tipo di sperimentazioni al fine di creare un rapporto di amicizia duraturo con la nazione confinante. ; This study has analyzed the presence of Italian sculptors in Paris from the beginning of the 20th Century to the end of the third decade, with the aim of reconstructing an important chapter of the history of artistic exchanges between Italy and France. We have favored an historical-philological method, based on critical publications and old French and Italian press. Concerning the beginning of the century, we have remarked a considerable participation of Italians in the main expositions in the French capital, such as official Salons; critical and market success allowed them to get a main role in the crew of the most popular artists. During the twenties, we have noted a less considerable participation of Italian sculptors; we have interpreted it in relation to historical context of fascist Italy, where the government was trying to develop a national cultural program. The Italian artists in France, after the First World War, didn't share the new Italian artistic orientation; they went on with outdated aesthetic choices. The last part of our research was interested in the development of the new Italian artistic language, finally known out of Italy. The Italian sculptors consequently could take part in arts activity in Paris, showing the face of a new sculpture, finally aware of its potentialities. France gave these experimentations a good welcome in the aim of constituting a longtime friendship with the Italian country. ; Cet étude a analysé la présence des sculpteurs italiens à Paris du début du XX siècle à la fin des années Trente, afin de reconstituer un chapitre important de l'histoire des échanges artistiques en France. Nous nous sommes servis d'une méthode historique et philologique, qui a bien été appliquée aux écrits critiques et à la presse de l'époque. Pour ce qui concerne le début du siècle, nous avons remarqué une participation considérable de la part des italiens aux principaux événements expositifs de la capitale comme les Salons officiels; le succès de public et commercial leur avait permis d'obtenir une place parmi les artistes à la mode les plus connus. Pendant les années Vingt, nous avons constaté un nombre moins significatif de sculpteurs; nous avons lu ce fait en nous rapportant à la situation historique italienne, qui en ce temps subissait des importants changements dus à l'ascension du régime fasciste. Les italiens qui étaient encore présents en France après la Guerre ne s'inséraient guère dans le cadre des nouvelles recherches artistiques italiennes, ils poursuivaient, au contraire, des orientations esthétiques plutôt dépassées. La dernière partie de notre étude s'est intéressée à l'essor du nouveau langage artistique de la péninsule italienne qui pendant les années Trente se répandit enfin même à l'étranger. Les sculpteurs italiens pouvaient donc participer activement à la vie expositive parisienne, tout en montrant le visage d'une plastique qui avait enfin pris conscience de ses potentialités. La France de sa part accueillait volontiers ces expérimentations, dans le but d'instituer une relation d'amitié durable avec le pays voisin. ; XXIV Ciclo ; 1982
Da diversi anni SMU–research, , un gruppo di ricerca internazionale e interdisciplinare formato da architetti, urbanisti, sociologi, antropologi e artisti, lavora a Roma sull'asse della Via Casilina studiando i fenomeni del self made e dell'informalità urbana. L'interesse del gruppo è rivolto alla comprensione delle relazioni che intercorrono tra l'organizzazione sociopolitica e lo spaziourbano attraverso ricerche e interventi sul campo con il coinvolgimento degli abitanti. Una delle prime tappe di ricerca di SMU–research si è svolta a Valle Borghesiana, un quartiere del Comune di Roma sorto in assenza di qualsiasi pianificazione urbanistica. Dal 2009 il gruppo di ricerca ha organizzato diversi workshop con abitanti, associazioni, comitati di quartiere e consorzi di autorecupero. Durante incontri e visite guidate a Valle Borghesiana, SMU–research ha studiato e raccolto le testimonianze dei protagonisti di queste vicende. Un luogo complesso e paradigmatico, che contiene molti fenomeni urbani caratteristici delle metropoli del centro-sud Italia e dell'area mediterranea. Dall'autocostruzione – spesso collettiva – delle abitazioni, alle forme spontanee di organizzazione sociale e politica di lotta per i diritti, coronate con il loro riconoscimento e con la legalizzazione del contesto. Leggendo la storia del quartiere, si ripercorrono le vicende di una città e di una nazione: il tema del diritto alla casa, che per anni ha catalizzato il dibattito politico nazionale, il tema del lavoro e quello della migrazione, prima nazionale e poi globale, fino ad arrivare alla contemporanea e consapevole richiesta del diritto alla città. ; For several years, SMU– research an international and interdisciplinary working group has been working in Rome at the intersection in Via Casilina exploring the phenomena of self-made and urban informality. The neighbourhood of Valle Borghesiana was one of the places on which the research was done. There, workshops between researchers/ artists of the group and the associations of inhabitants were organized. The article traces the history of the neighbourhood and presents two collective works produced by artist Susanna Perin with architects Alessandro Lanzetta and Antonella Perin who investigate the relationship between the socio-political organization and urban space. #01_ research - The history of Valle Borghesiana is considered to be a model of those social and urban phenomena which are typical of the Mediterranean metropolis. It is a useful story to understand processes such as the self-construction of houses and spontaneous forms of social organization and political struggle that characterized Italian and Roman stories from World War II onwards. #02_work - Greetings from Valle Borghesiana - shown at the Venice Biennale of 2012 - tell the complex and contradictory collective construction of urban space. The image of the neighbourhood is represented by a series of postcards made from photographs taken by the inhabitants. - Sketches on Valle Borghesiana - The Illegal Master Plan and Everyday Life, - shown in the gallery nGbK in Berlin in 2013 - is rather a consideration on informal housing in the neighbourhood and on the different relationships between power and politics in urban space.
This is an essay in three parts. The first reconstructs Giovanni Papini's encounter with William James and his contribution to transatlantic Pragmatism as part of an intellectual action aimed at modernizing Italian culture and making it more international. It argues that Papini's early reading of the two volumes of Walt Whitman's Canti scelti shaped his own brand of pragmatism. The second part centers on Papini's 1908 essay, "Walt Whitman", and his cultural and very influential interpretation of Whitman. Apparently reviewing Luigi Gamberale's Foglie d'erba (1907), Papini not only pragmatically used Whitman's poetry to show Italian artists how to write modern literature, but created an image of the poet/Whitman as a hybrid, avant-gardist and pragmatist, Übermensch. Through Whitman, Papini also participated in the cultural debate of the time, when Nietzsche and his Zarathustra were quoted, interpreted and used for their own aims by feminists like Sibilla Aleramo, syndicalists like Benito Mussolini, and artists like F.T. Marinetti. The third part of my essay centers on the image of the 'newborn' modern man and its machinistic Futurist incarnation, to show how its spiritualist version in Papini's work and its dynamically futurist image project in-human and anti-human visions of a future humanity, totally different from that of full-bodied, sentient and democratic human beings imagined by Whitman. ; Walt Whitman fu uno dei poeti più letti e amati da Giovanni Papini, che in occasione della prima traduzione italiana, ed europea, di Foglie d'erba (1907), dedicò un lungo e significativo saggio al poeta americano apparso su La Nuova Antologia nel 1908. Il suo saggio, intitolato Walt Whitman, è in parte una recensione delle Foglie d'erba di Gamberale del 1907, in parte testimonianza autobiografica della sua risposta emotiva ai Canti scelti del 1887 e 1890, in parte ancora lo strumento da lui usato per invitare i letterati e filosofi italiani a rinnovarsi leggendo Whitman. Nel corso del suo lungo discorso, tuttavia, Papini intraprende una analisi dell'opera e del poeta americano sviluppando le sue argomentazioni attraverso citazioni non solo frammentarie, ma spesso arbitrariamente accostate, fino a travisarne quasi completamente il messaggio. Papini, in sintesi, ricompone Whitman come il precursore della "filosofia della vita" che si va allora diffondendo in Europa e trova nell'élan vital di Henri Bergson e sopratutto nella dottrina di "affermazione vitale" estrapolata dal Zarathustra di Nietzsche. Papini, che all'epoca della sua collaborazione con il Leonardo aveva introdotto il pragmatismo americano in Italia, dimostra così di essere consapevole della vicinanza di Whitman al Trascendentalismo di R.W. Emerson, che a sua volta era stato un riferimento filosofico importante per il filosofo tedesco. Il contributo si propone non solo di offrire una nuova lettura critica del saggio di Papini –mai analizzato in questa prospettiva-- e del suo uso tutto 'nazionale' della poesia di Whitman, ma di mettere in evidenza il meccanismo ibridante – a livello linguistico, testuale, filosofico, ideologico-- che se da un lato presiede alla sua interpretazione di Whitman, dall'altro rende evidente quali fili intrecciano il suo discorso a quello di politici come Mussolini e di avanguardie come i Futuristi di Marinetti.
Resumo:O presente artigo objetiva analisar de que forma a grafitagem na novela Cheias de Charme (Rede Globo, 2012) representa a condição de existência de um grupo subalternizado numa favela do Rio de Janeiro. Numa perspectiva mais ampla, de que forma o graffiti revela a condição humana de classes desprivilegiadas nos grandes centros urbanos. Para isso, escolheu-se uma cena que foca o graffiti realizado numa instituição privada da sociedade capitalista. A discussão fundamenta-se nos conceitos de absurdo (Camus, 2008), cultura (Lèvy, 2001), e existencialismo (Kierkegaard, 2001; Arendt, 1997). Discutem-se os valores estéticos, éticos e políticos que constituem a identidade social na pós-modernidade. Palavras-chave:Identidade social; Discurso; Existencialismo; Graffiti Abstract:This article aims to analyze how the graffiti on the Brazilian soap opera Cheias de Charme (Rede Globo, 2012) represents the condition of existence of a group of young artists in a slum in Rio de Janeiro. From a broader perspective, it shows how the graffiti reveals the human condition of subaltern classes in large urban centers. We chose a scene that focuses on graffiti held at a private institution of our capitalist society. The discussion is based on the concepts of absurdity (CAMUS, 2008), culture (Levy, 2001) and existentialism (Kierkegaard, 2001, Arendt 1997). It discusses the aesthetic, ethical and political issues that constitute the social identity in a postmodern world. Keywords:Social identity; Discourse; Existentialism, Graffiti
Spiritual Imperialism at the Base of AugusteaThe study of Fascism's program of 'cultural expansion abroad' ('espansione culturale all'estero') must acknowledge the fundamental role played by the journal Augustea, founded in 1925 by Franco Ciarlantini, a prominent editor of the Fascist PNF. Working on the project were, among others, Massimo Bontempelli, Emilio Bodrero, and Arrigo Solmi. The journal combined 'politics, economics, art', and advocated the unity and power of an Italy that would finally be cohesive, and, as such, able to impose itself on the world stage. Power meant expansion in many senses: economically, politically, in regards to the military, but especially in terms of the ideal, artistic, and spiritual. According to the magazine, one needed to replace Italy as a leader of nations by highlighting its cultural supremacy, which dated back to Rome and its empire, and that had been preserved in the following centuries. The Italian cultural hegemony, at the service of foreign policy, was in fact seen as the path to empire, which was seen to require the support of intellectuals, artists, and journalists. The agenda in this way bound itself to the totalitarian project of Fascism; on the one hand there was an internal conquest, a Fascistization, of the new Italian identity designed by Mussolini, and on the other hand an external conquest consisting of a spiritual imperialism, positing Italian society as the natural leader among nations. Culture, in this way, was seen as the medium of both aspects of the conquest.
The article aims to discuss the socio-political action of two contemporary musical performances produced in Poland. In particular, the author questions the specific function of the space, created by the visual artist Mirosław Bałka, in relation to the compositions by musician Paweł Mykietyn. In both cases they are adaptations of literary works (Pan Tadeusz by Adam Mickiewicz, 1834, and Der Zauberberg by Thomas Mann, 1924) and in both cases it is the process of media transposition that rewrites the terms of cultural and identity discourse. Balka's design proposes, in a non-didactic way, traumatic images that are already well established and codified in the European collective memory and creates, in the fleeting time of the performance, a democratic and open structure, in which the memory of the defeated also participates. ; L'articolo si propone di discutere l'azione socio-politica di due performance musicali contemporanee prodotte in Polonia. In particolare, l'autore si interroga sulla funzione specifica dello spazio, creato dall'artista visivo Mirosław Bałka, in relazione alle composizioni del musicista Paweł Mykietyn. In entrambi i casi si tratta di adattamenti di opere letterarie (Pan Tadeusz di Adam Mickiewicz, 1834, e Der Zauberberg di Thomas Mann, 1924) e in entrambi i casi è il processo di trasposizione mediatica a riscrivere i termini del discorso culturale e identitario. Il progetto di Balka propone, in modo non didascalico, immagini traumatiche già consolidate e codificate nella memoria collettiva europea e crea, nel tempo fugace della performance, una struttura democratica e aperta, alla quale partecipa anche la memoria degli sconfitti.
