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This paper aims to present the importance of movies in behavioral clinic, Inducing professionals, parents / guardians to use the insertion of films that frequently are shown manner fictitiously instigating the dynamic of interpersonal relationship as well as conducive ways of experiencing in society. The subject since work theorizes the use of films in behavioral clinical, as it behaviorism believes the behavior as action and reaction, by building specific stimuli which are in your space condicente reality. The stimuli brought about through the middle affect the conduct of the subject, so it is possible to interfere this behavior, through harmonic stimuli, In accordance with the individual behavior deficiency, therefore can create, reinforce or inhibit or not desirable behaviors. The work is based on theoretical research, literature review and analysis of cinematographic art. Where we work in tease out of the situational variables: stimulus, behavior and consequent stimulus. In the results achieved observes the positive utility of films as resources for work in clinical behavioral focused the learning of societal behaviors, argumentation, perception of reality, humor among others. Inspiring, personal development through of cinematographic art.

This paper presents an experience with teachers who participated in an extension course
conducted during 2008 entitled: "The movies in teaching history and culture african-Brazilian and
African basic education." Guidelines and National Education establish compliance with the Law
10.639/2003 education for ethnic-racial. To discuss and contribute to the education of blackness in
Brazil, this paper discusses the potential of film narratives in the classroom for the teaching of history and
Afro-Brazilian and African culture. The results indicate the existence of potential pedagogical
filmography, even teachers do not know how to exploit their film narratives that help students visualize
the "other." We conclude that the use of films as a source of study or as a pedagogical tool requires a
critical pedagogical action decoding, interpretation and deconstruction of film narratives to understand the
record of human actions depicted on the screen.

Este artigo apresenta uma leitura crítica do conteúdo de dois filmes que abordam o preconceito racial. Foram selecionados os filmes: Um grito de liberdade e Sarafina o som da liberdade, como fonte de pesquisa. O objetivo é investigar os aspectos culturais, econômicos, sociais e políticos da África, a fim de propor uma metodologia de análise fílmica, com base nos Estudos Culturais. De que maneira o cinema, ao mostrar os conflitos sociais gerados pelas leis raciais, pode contribuir para formar professores mais preparados e capazes de lidar com o racismo e o preconceito na sala de aula? No espaço escolar, esses filmes analisados na perspectiva de Douglas Kellner, Michel Foucault e Stuart Hall, podem ampliar a nossa compreensão sobre a lógica da dominação pela segregação racial e contribuir para mobilizar ações de valorização e de reconhecimento da história e cultura africana e afro-brasileiro.

Neste trabalho abordamos a memória como objeto de estudo, a película cinematográfica Super 8 e os filmes domésticos. No embasamento teórico, utilizamos autores como Andreas Huyssen e Pierre Nora (memória), Roger Odin e Lila Foster (filmes domésticos). Nosso objetivo é apresentar os filmes em Super 8 feitos pelo fotógrafo Márcio Assis na década de 1970, a fim de verificar as relações entre sua narrativa oral atual por meio da gravação em áudio de seus comentários do filme, em comparação a sua narrativa visual sobre a própria família na década de 1970. Também fazemos um estudo de como os familiares de Márcio Assis assistem a esses filmes, cerca de quarenta anos depois, por meio da coleta de depoimentos nas redes sociais e entrevistas.

O professor deve possuir o domínio do conteúdo, da comunicação e do relacionamento como elementos-chave para promover a aprendizagem. Desses, a relação professor-aluno constitui-se em um dos principais elementos, cujos outros componentes são: o respeito mútuo entre professor e aluno; a confiança que o aluno precisa ter no professor; o compromisso do aluno em seguir as instruções do professor; o interesse do professor com a aprendizagem do aluno; o acompanhamento e a reflexão sobre o progresso dos alunos por parte do professor. Essa relação incorpora, portanto, compromisso recíproco, evidenciando o conceito de confiança. A confiança é tão importante quanto perigosa, pois envolve o risco de que a pessoa em quem se deposita a confiança possa desapontar, ocasionando perdas e danos, incluindo de auto-estima. A relação de confiança obriga as partes a serem transparentes, para que não haja dúvida a respeito da boa-fé incorporada nessa relação. A avaliação que o professor conduz em testes subjetivos é na essência baseada na confiança; igualmente, o aluno não pode violar o princípio da confiança, trapaceando na prova. O filme "O Clube do Imperador" mostra a relação professor-aluno em sua plenitude, evidenciando como esses princípios podem ser válidos na prática.

Angola Cinema' honors the fantastic, unique and unknown architecture of movie theaters in Angola, built in the decades before the end of Portuguese colonial rule in 1975. Initially designed as traditional closed spaces, later in the 1960s open air cinemas with terrace bars became the order of the day, so much better adapted as they were to the tropical climate. The arrival of these cinemas brought elegance to the business of going to the movies.0But it is not only this exceptional architecture which impresses us and mirrors the experimental spirit of its ambitious and visionary builders. Visiting the cinema was a communal act—it was a place where young met old, where people fell in love and where liberation from colonialism was a feasible option.0Examining the architectural history of these buildings, this book is also a document of urban organization in the 20th century, as well as the changing mentalities of a society living with the possibility of its foreseen independence. What has changed since then, and what is the future of these urban cathedrals? 'Angola Cinema' poses such questions in a book that both preserves these architectonic treasures and reflects on their cultural, social and affective heritage

In this article we discuss the production of genres, mediated Didactic Sequence methodology through which to teach modularly a genre. Our goal is to demonstrate that the teaching of genres developed modularly can assist students in building properly texts. Thus, we describe part of an experiment carried out in a high school public school, in which students of 2nd year produced a movie review to be published in school and in a blog. For this, we base in authors like (Dolz et al., 2010) and (Bronckart, 2007), who consider language as a form of interaction and the genre as a tool through which students are able to develop the capabilities of language. Research shows that the Didactic sequence enabled the students grasp the knowledge required for proper writing addressed genre.

Estudos sobre a educação visual e a memória produzidas pelas imagens e sons da televisão e do cinema são importantes para entender de maneira mais ampla a educação cultural, científica e política das pessoas, e não somente aquela escolar ou escolar-universitária, pois, hoje, a maior parte das populações vê o real naturalizado, reproduzido pela fotografia, pela cinematografia, pela videografia, como verdadeira representação visual do real, com a qual opinam, produzem verdades e agem tanto no mundo cotidiano como no intelectual, acadêmico.

Spanish Civil War films have traditionally been made according to the schemes of the political, social and historical drama. Over the last ten years, in addition to that dramatic tradition a new generation of movies has distanced itself from historical rigor, social and political reflections and the revision of the memory. This article looks at a group of contemporary fantasy and horror Spanish films: El mar / The Sea (2000) and Pa negre / Black Bread (2010), by Agustí Villaronga; El espinazo del Diablo I The Devil's Backbone (2001) and El laberinto del fauno / Pan's Labyrinth (2006), by the Mexican Guillermo del Toro; just as Alex de la Iglesia's Balada triste de trompeta / The Last Circus (2010). All of them have a common topic: a childhood traumatized by the disasters of war. This essay explores how the fiction mechanisms allow such a stylized film genre treatment to deal with these controversial topics in terms of emotions and ideology. One of the most useful instruments utilized in this material is the poetic nature of the "uncanny", which whose versatility is analyzed in the mentioned movies. ; Este artículo aborda el estudio de un conjunto de películas de la primera década del siglo XXI que, con el trasfondo de la Guerra Civil y la Posguerra, han construido relatos desde las coordenadas del cine fantástico y de terror. Estas películas que se distancian de la tradición del drama social y político, evidencian una forma distinta de mirar y sentir la historia española. Las películas a las que nos referimos son: El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006), ambas de Guillermo del Toro; Balada triste de trompeta (2010), de Álex de la Iglesia; y El mar (2000) y Pa negre (2010), de Agustí Villaronga. En todas ellas hay un tema común: una infancia traumatizada por los desastres de la guerra. A través del presente artículo se analizarán estos relatos tomando como eje fundamental la presencia del concepto estético de "lo siniestro", auténtico motor ficcional para el sustrato histórico de estos ...

With this paper, we aim to discuss the movie American Beauty under the light of the Hegelian philosophy or, more specifically, of the so-called dialectic of the master and the slave. To accomplish this task, we divided our text into three moments: 1. We analyze some aspects relating to how the relationship among one's consciousnesses of oneself is established in life, creating dominance (lord) and subordination (slave) relations in intersubjectivity relations. The contrast between the two elements determines that, in order to achieve recognition, a consciousness must subdue the other according to its will, that is, one will is recognized (that of the master) whereas the other is the recognizer (that of the slave). 2. We present central elements of the film as the background for our analysis. 3. We critically discuss the film based on the conceptual elements presented in item one, demonstrating to what extent the film can be understood as an attempt by the protagonist to overcome the total indifferentiation, to establish a life and death struggle, and finally to be recognized in his desires.

This works analyzes the presence of Brazilian Cinema Novo in Portugal, during the 1960s and 1970s, from the review of texts published in magazines and newspapers. Here, those texts are seen as traces of historical reception of films, important for dissemination of the Cinema Novo movement and even legitimacy on Portuguese territory. The analysis of these texts has shown that the excellent reception from the press to Cinema Novo shaped the program of the Portuguese movie criticism that support the ideals of a political and aesthetics avant-garde cinema. ; O artigo pretende analisar a presença do Cinema Novo brasileiro em Portugal, duranteos anos 1960 e 1970, a partir do exame de textos publicados em revistas especializadase jornais da época. Concebe-se aqui esses textos como traços de recepção históricados filmes, importantes para divulgação do movimento cinemanovista e mesmo parasua consagração em território luso. A análise dos referidos textos demonstrou que aexcelente acolhida da imprensa ao Cinema Novo conformara-se com o programa dacrítica portuguesa que defendia os ideais de um cinema de vanguarda política e estética.

From the documentary Paulinho da Viola: meu tempo é hoje (Paulinho da Viola: my time is today), I aim at problematizing the hegemonic politics at the present time which has oriented the subjectivity in the cultural capitalism context. In the documentary, what draws my attention is the way the composer treats time and puts in jeopardy the predominant forms of experimenting it - captured in a longing past and badly lived or in a cynical present, frozen and indifferent to the body's restlessness. The movie leads me to glimpse the resistance lines and the subjectivity invention; resistance to the hegemonic politics of the present time and invention of new temporalities, vital potencies in extreme acceleration contexts and subtle life controls. ; A partir do documentário Paulinho da Viola: meu tempo é hoje, busco problematizar a política hegemônica do tempo presente que tem orientado a subjetividade no contexto do capitalismo cultural. No documentário, chama-me a atenção, o modo como o compositor trata o tempo e coloca em xeque as formas predominantes de experimentá-lo - capturado num passado saudoso e mal vivido ou num presente cínico, congelado e indiferente aos desassossegos do corpo. O filme leva-me a vislumbrar linhas de resistência e invenção da subjetividade; resistência à política hegemônica do tempo presente e invenção de novas temporalidades, potências vitais em contextos de extrema aceleração e sutis controles da vida.

Este artigo analisa os possíveis desdobramentos discursivos em torno da representação do corpo feminino no cinema a partir de Chocolat (Claire Denis, 1988) e Vênus negra (Abdellatif Kechiche, 2010); tendo em vista esse corpo enquanto objeto de desejo, lugar de resistência, fronteira cultural e étnica, ou mesmo enquanto vestígio de história e memória. Por meio de articulações teóricas, estéticas e políticas sobre essas imagens, e da análise desses filmes, buscaremos entender de que forma o cinema intercultural – capaz de criar novas imagens a partir da memória dos sentidos, pois possui qualidades táteis e contagiantes, com as quais o espectador se confronta como se estivesse se relacionado com um outro corpo (Marks, 2000) – se faz dispositivo de representação de uma possível história cultural e memória, precisamente por meio do papel que os corpos, deslocados de suas paisagens de origem, atuam para a construção dessa história e memória culturais. ; This article analyses the possible discursive developments around the female body in movies, using Chocolat (Claire Denis, 1998) and Black Venus (Abdellatif Kechiche, 2010); bearing in mind this body as an object of desire, a space of resistance, a cultural and ethnical frontier, or even as a vestige of history and memory. Through theoretical, esthetical and political articulations about these images, and through the analysis of these films, we will attempt to understand how intercultural cinema – which is able to create new images from the memory of the senses, since it possesses tactile and contagious qualities, with which the spectator is confronted as if he was connecting with another body (Marks, 2000) – becomes an instrument of representation of a possible cultural history and memory, precisely by means of the role that bodies – removed from their original environment – play in the construction of this cultural history and memory.

Este artigo analisa os possíveis desdobramentos discursivos em torno da representação do corpo feminino no cinema a partir de Chocolat (Claire Denis, 1988) e Vênus negra (Abdellatif Kechiche, 2010); tendo em vista esse corpo enquanto objeto de desejo, lugar de resistência, fronteira cultural e étnica, ou mesmo enquanto vestígio de história e memória. Por meio de articulações teóricas, estéticas e políticas sobre essas imagens, e da análise desses filmes, buscaremos entender de que forma o cinema intercultural – capaz de criar novas imagens a partir da memória dos sentidos, pois possui qualidades táteis e contagiantes, com as quais o espectador se confronta como se estivesse se relacionado com um outro corpo (Marks, 2000) – se faz dispositivo de representação de uma possível história cultural e memória, precisamente por meio do papel que os corpos, deslocados de suas paisagens de origem, atuam para a construção dessa história e memória culturais. ; This article analyses the possible discursive developments around the female body in movies, using Chocolat (Claire Denis, 1998) and Black Venus (Abdellatif Kechiche, 2010); bearing in mind this body as an object of desire, a space of resistance, a cultural and ethnical frontier, or even as a vestige of history and memory. Through theoretical, esthetical and political articulations about these images, and through the analysis of these films, we will attempt to understand how intercultural cinema – which is able to create new images from the memory of the senses, since it possesses tactile and contagious qualities, with which the spectator is confronted as if he was connecting with another body (Marks, 2000) – becomes an instrument of representation of a possible cultural history and memory, precisely by means of the role that bodies – removed from their original environment – play in the construction of this cultural history and memory.

Over more than one hundred years of history, the cinematic art path has been followed by numerous technological advances that have been enabled filmmakers a more and more endless number of resources that aim to enhance the film production. The emergence of digital technology to the cinema represents a deeply significant landmark for the Cinema History. The digital era democratized the act of making cinema by making it more accessible and imminent, however, not being a guarantee of qualitative improvement by itself. Cinema is an expression and Technology is a science. Conscious of this dichotomy, at different points, for more than a century, cinema has been able to successfully overcome technical (and economic) needs without losing, nevertheless, its significant and aesthetic capacity. But just as the act of making cinema has been developing, the act of envisioning it has also been undergoing significant changes. By analyzing several data on consumption habits, we will determine in this written essay that the classic dark movie theaters have been losing its role in recent years. The recent platforms of video streaming are currently stronger, fairly attractive and clearly growing in the ability to seduce an audience more and more fan of the new technologies and that does not seem to determine an added value in the traditional movie theaters for example, as enhancing favorable atmospheres to the cinema´s expressive and aesthetic roles. ; A lo largo de más de cien años de historia, el camino del arte cinematográfico ha sido seguido por numerosos avances tecnológicos que han permitido a los cineastas un número cada vez mayor de recursos que tienen como objetivo mejorar la producción cinematográfica. La aparición de la tecnología digital en el cine representa un hito profundamente significativo para la Historia del Cine. La era digital democratizó el hecho de hacer el cine haciéndolo más accesible e inminente, sin embargo, no siendo una garantía de mejora cualitativa en sí misma. El cine es una expresión y la tecnología es una ciencia. Consciente de esta dicotomía, en diferentes puntos, durante más de un siglo, el cine ha podido superar con éxito las necesidades técnicas (y económicas) sin perder, sin embargo, su capacidad estética y significativa. Pero al igual que el acto de hacer cine se ha desarrollado, el acto de visualizarlo también ha experimentado cambios significativos. Al analizar varios datos sobre los hábitos de consumo, determinaremos en este ensayo escrito que los cines oscuros clásicos han estado perdiendo su papel en los últimos años. Las plataformas recientes de transmisión de video son actualmente más fuertes, bastante atractivas y con un claro crecimiento en la capacidad de seducir a un público cada vez más aficionado a las nuevas tecnologías y eso no parece determinar un valor agregado en las salas de cine tradicionales, por ejemplo, como mejora Ambientes favorables a los roles expresivos y estéticos del cine. ; Ao longo de mais de cem anos de história, o percurso da arte cinematográfica tem sido acompanhado por inúmeros avanços tecnológicos que têm vindo a proporcionar aos cineastas um cada vez mais infindável número de recursos que visam potenciar o acto da criação fílmica. A chegada da tecnologia digital ao cinema representa um marco profundamente impactante para a História da Sétima Arte. O digital democratizou o acto de fazer cinema ao torná-lo mais acessível e imediato sem, no entanto, por si só, ser garante de incremento qualitativo. Cinema é expressão e tecnologia é ciência. Consciente desta dicotomia, em diversos momentos, ao longo de mais de um século de existência, o cinema soube contornar com sucesso carências técnicas (e económicas) sem nunca perder, no entanto, a sua capacidade expressiva e estética. Mas tal como a acto de fazer cinema tem vindo a evoluir, também o acto de o visionar tem vindo a sofrer profundas mutações. Pela análise de vários dados relativos a hábitos de consumo, constataremos neste escrito que a clássica escura sala de cinema tem vindo nos últimos anos a perder protagonismo. As novas plataformas de videostreaming apresentam-se na actualidade vigorosas, francamente sedutoras e em claro crescendo na capacidade de seduzir um público cada vez mais adepto de novas tecnologias e que parece não identificar na clássica sala de cinema uma mais valia, por exemplo, no potenciar de atmosferas facilitadoras às funções expressivas e estéticas do cinema.