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Stockholm International Peace Research Institute, Yearbook of World Arsenals 1982

Мета дослідження – виявлення і осмислення соціально-філософських засад театралізації політичної сфери. Виходячи з гіпотези про те, що театралізація сприяє підвищенню ефективності комунікацій в сфері політики, в якості методологічної стратегії дослідження обрано концепцію театральності соціокомунікативних проявів культури (на базі методів соціокультурного аналізу). Цей підхід дозволив з'ясувати, що поєднання в політичних «виставах» елементів гри, перформансу, ритуалу, карнавалу, маскараду сприяє: приверненню уваги опонентів; демонстрації солідарності із протестним рухом; формуванню іміджу відповідно до ролі / амплуа, яку політик виконує у політичному «театрі»; створенню додаткових каналів комунікації політика із «публікою» (народом, електоратом). В якості одного з таких каналів розглядаються костюмні прикраси і аксесуари, які є не лише доповненням до іміджу політика, а й важливим елементом драматургії. Дозволяючи заміняти пряме повідомлення на знаково-символьну форму, прикраси сприяють наданню процесу комунікації ігрового, театрального формату. Це, з одного боку, пожвавлює процес спілкування політика із «публікою», сприяє розширенню аудиторії, але, з іншого боку – привносить в процес передачі інформації елемент інтерпретації. Цією обставиною активно користуються мас-медіа, посилюючи свою роль у політичному «театрі». З'ясовано також, що певною мірою театральність завжди була притаманна політиці. Проте театральне не завжди в ній превалює: прагнення до театралізації зростає по мірі розділення політичної сфери на публічну і «приховану». Посилення театральних проявів у сучасній політичній сфері вказує на те, що саме така тенденція набуває розвитку в соціальних відносинах. Це в свою чергу обумовлює появу нових технологій і форматів комунікації в системі «влада – суспільство». ; Public policy is always focused on finding the most effective ways to communicate with the broad masses (society, population, electorate). Historical experience shows that one of such methods is the introduction of theatrical elements into the communication process. The purpose of this study is to identify and comprehend the social and philosophical foundations of the theatricalization of the political sphere. The concept of theatricality of sociocommunicative manifestations of culture was chosen as a methodological research strategy (based on methods of sociocultural analysis). This approach made is possible to find out that the combination of the elements of the game, performance, ritual, carnival, masquerade in political "spectacles" helps to: attract the attention of opponents; demonstrations of solidarity with the protest movement; the formation of the image of the politician in accordance with the role that he plays in the political "theater"; creating additional channels of communication policy with the "public". One of these channels is costume jewelry and accessories, which are not only an addition to the image of a politician, but also an important dramatic element. By allowing the replacement of a direct message with a sign-symbolic form, jewelry helps to impart a gaming, theatrical format to the communication process. On the one hand, it helps to expand the audience, but, on the other hand, it introduces an element of interpretation into the process of information transfer. This circumstance is used by the mass media, strengthening its role in the political "theater". It has also been established that to a certain extent theatricality has always been inherent in politics. But the theatrical component does not always prevail in it: the desire for theatricality increases with the division of the political sphere into public and "hidden". Strengthening theatrical manifestations in the modern political sphere indicates that this is the trend that is developing in social relations. This, in turn, determines the emergence of new technologies and communication formats in the system "power – society". ; Цель исследования – выявление и осмысление социально-философских оснований театрализации политической сферы. Исходя из гипотезы о том, что театрализация способствует повышению эффективности коммуникаций в сфере политики, в качестве методологической стратегии исследования выбрана концепция театральности социокоммуникативных проявлений культуры (на базе методов социокультурного анализа). Этот подход позволил выяснить, что сочетание в политических «спектаклях» элементов игры, перформанса, ритуала, карнавала, маскарада способствует: привлечению внимания оппонентов; демонстрации солидарности с протестным движением; формированию имиджа политика в соответствии с ролью / амплуа, которую он исполняет в политическом «театре»; созданию дополнительных каналов коммуникации политика с «публикой» (народом, электоратом). В качестве одного из таких каналов рассматриваются костюмные украшения и аксессуары, которые являются не только дополнением к имиджу политика, но и важным элементом драматургии. Позволяя заменять прямое сообщение на знаково-символьную форму, украшения способствуют приданию процессу коммуникации игрового, театрального формата. Это, с одной стороны, способствует расширению аудитории, но, с другой стороны – привносит в процесс передачи информации элемент интерпретации. Этим обстоятельством пользуются масс-медиа, усиливая свою роль в политическом «театре». Установлено также, что в определённой степени театральность всегда была присуща политике. Но театральное не всегда в ней превалирует: стремление к театрализации возрастает по мере разделения политической сферы на публичную и «скрытую». Усиление театральных проявлений в современной политической сфере указывает та то, что именно такая тенденция получает развитие в социальных отношениях. Это, в свою очередь, обусловливает появление новых технологий и форматов коммуникации в системе «власть – общество».

Dass das 'Reifen' künstlerischer Kreativität bei Tänzer_innen mit dem Altern des Körpers Hand in Hand geht und somit einen ambivalenten Prozess darstellt, deutet Yvonne Rainer, Choreografin und eine der Autor_innen des Sammelbandes The Aging Body in Dance, mit einer lakonischen, aber beredten Gegenüberstellung an: "Graphic artists, musicians, photographers, composers and writers don't age; they mature." (S. 18) Wohlgemerkt: Der als Schöpfer und Medium des Tanzes zugleich zu verstehende Körper verliert mit der Zeit an Bewegungsvirtuosität und physischer Kapazität und auch das Interesse des Publikums – so die Beobachtung der vorliegenden Aufsatzsammlung – lässt mit den Jahren nach. Das gilt zumindest für Nordamerika und Europa. Der prekäre Status alternder Tänzer_innen wird in den vorliegenden, facettenreichen Beiträgen jedoch nicht nur aus ökonomischer, kultureller, medizinischer und institutioneller Perspektive beleuchtet, sondern auch auf differenzierte Weise um- bzw. aufgewertet: Statt 'disability' führen die Herausgeberinnen Nanako Nakajima und Gabriele Brandstetter eine "different ability" (S. 2) ins Feld, um eine Qualität 'reifender' Tänzer_innen jenseits der Konstruktionen von Inklusion und Exklusion stark zu machen. Damit wird natürlich das Verständnis von Tanz, ja seine genuine Ontologie angesprochen und zugleich in Frage gestellt; dieses politische Programm verbindet die einzelnen Beiträge. The Aging Body in Dance adressiert keineswegs nur ein akademisches Publikum. Die Verflechtung von theoretischen Auseinandersetzungen und vielen praxisbasierten, von Tänzer_innen, Choreograf_innen und Trainer_innen aus 'erster Hand' beschriebenen Erfahrungen führt dazu, dass das Thema der Zur-Schau-Stellung alternder Körper aus produktions- und rezeptionsästhetischer sowie aus analytischer bzw. aus sehr persönlich-reflektierender Sicht gleichermaßen beleuchtet wird. Besonders an diesem Buch ist ferner jene dezidiert transnationale Komparatistik, die den Horizont der US-amerikanischen und (west)europäischen Tanzforschung mit ausführlichen Beiträgen zu asiatischen – insbesondere japanischen – Körperpraktiken und -diskursen erweitert. Den einzelnen Kapiteln ist ein biopolitischer und kulturhistorischer Überblick von Nanako Nakajima vorangestellt. Ausgesprochen aufschlussreich erscheint hier das Widerstreben der Autorin gegen eine konzise Definition des Alterns, insofern diese altersabhängig und kulturspezifisch sei bzw. disziplinären Rahmungen unterliege. Entsprechend offen und anschlussfähig ist Nakajimas Einführung gestaltet, leitet sie doch Beiträge ein, die allesamt von einer Sensibilität für polyphone, einer intakten Theoretisierbarkeit widerstehende, teilweise auch für sehr persönliche Stimmerhebungen zeugen. Sie sind in vier Abschnitte unterteilt, die zwar einzelne Schwerpunkte ('aging body in postmodern dance', 'alternative danceability', 'contemporary dance' und 'perspectives of interweaving') umkreisen, doch die praxisnahe und komparatistische Vergleichsperspektive jeweils konsequent beibehalten. Gleich der Auftakt des ersten Abschnitts lädt dazu ein, Yvonne Rainers späte Auftritte aus einer doppelten Sicht nachzuvollziehen, werden sie doch von der Künstlerin selbst und vom Tanzhistoriker Ramsay Burt einer je eigenen Reflexion unterzogen. Was Rainer mit "existence" als ihre "preferred mode of presentation" (S. 43) etikettiert, bringt Burt mit der philosophischen Denkfigur der Singularität in Zusammenhang. Das zunehmende ästhetische Interesse für 'reife' Tänzer_innenkörper sei, so Burt, ein unvorhersehbarer, aber konsequenter "side effect" (S. 35) der minimalistischen Experimente des Judson Dance Theater gewesen. Rainer, die als Mitglied des Kollektivs in ihrem No Manifesto die Absage an die Virtuosität erklärt hat, nahm die Legitimation von 'different abilities' im Tanz gewissermaßen schon vorweg: Ihr Repertoire alltäglicher Bewegungen wie Gehen, Rennen, Stillstehen oder Sitzen, die jeweils die Ästhetik der graziösen Virtuosität unterlaufen, erweitert sie nun um die Exponierung des alternden Körpers. Johannes Odenthal ergänzt diesen historischen Rückblick auf den US-amerikanischen postmodernen Tanz mit zahlreichen Pendants aus Deutschland, Japan und Benin: Mit Gerhard Bohner, Ōno Kazuo und Koffi Kôkô führt er Beispiele an, in denen der Tanz nicht mehr als energetische Kommunikation, sondern als Archiv, ja als jene "library" (S. 49) zum Ausdruck kommt, die allererst im alternden Körper manifest werden kann. Mit dieser Sicht korrespondiert, so Tamotsu Watanabe in seiner Analyse des Nō-Theaters, auch das japanische Konzept von "Hana" (S. 51), jene Qualität nämlich, die nur erfahrene, weise und mental starke Tänzer_innen besitzen. Vor diesem Hintergrund bietet und verschränkt der Band eine Reihe theoretischer Begrifflichkeiten internationaler Provenienz: 'Singularität' (Burt), 'utopian body' (Odenthal), 'zoê' (Nakajima in Rückgriff auf Giorgio Agamben) und 'Hana' (Watanabe) sind Konzepte, die die Phänomenologie und das Körperwissen alternder Tänzer_innen zu beschreiben helfen. Der zweite Abschnitt versammelt europäische und US-amerikanische Fallstudien zu einer "alternative danceability" (S. 61). Die fehlende Stringenz akademischer Argumentationen wird in den ersten drei Beiträgen durch erfreulich persönliche, offene und auf diese Weise politische Stellungnahmen kompensiert: Ann Cooper Albright, Jess Curtis und Katie O'Reilly weiten den Analysehorizont auf das Altern insofern aus, als sie "different abilities" – von körperlich behinderten, blinden oder gehörlosen Akteur_innen – weniger als Erfahrungen des Verlusts, sondern vielmehr als Entdeckungen neuer Kapazitäten und Kreativitäten beschreiben. Die plastischen und wissensreichen Essays verbindet der Anspruch, im Fallen, Schweigen und Tasten eine Poetik, eine "alternative dramaturgy" (S. 88) jenseits semantischer Bedeutsamkeit aufzuspüren. Die Sektion schließt mit Susanne Foellmers kritischer Studie über das Altern in Theater, Tanz und Performance. Scharfsinnig weist Foellmer eingangs darauf hin, dass die Involvierung älterer Akteur_innen in zeitgenössische Produktionen häufig als problematisch zu betrachten sei, insofern diese Menschen, in komische Charaktere gedrängt, zum Spektakel zu werden drohten. Mit dem Begriff des Grotesken plädiert sie für eine ästhetische Kategorie, die den alternden Körper – am Beispiel von Romeo Castelluccis Inszenierung Sul concetto di volto nel Figlio di Dio (2011) – innerhalb seines (verfremdeten) Milieus zu perspektivieren und somit Fremdheit bzw. Alterität als Bezugspunkte zu dynamisieren erlaubt. Der dritte Abschnitt widmet sich körperpolitischen Fragen des zeitgenössischen Tanzes und versammelt Fallbeispiele, die sich durch eine existenzielle Liminalität – zwischen Leben und Tod – auszeichnen: Petra Kuppers berichtet von ihrer (choreografischen) Arbeit in einem neuseeländischen Hospiz, die auf die Entfaltung partizipatorischer, kollektiv-somatischer Praktiken zielt. Kikuko Toyama hebt das Lehrpotenzial hervor, das jüngere Tänzer_innen aus der Begegnung mit Menschen im besonders hohen Alter beziehen können, mit Menschen also, die nicht mehr in einem Universum der Effizienz und Funktionalität leben und – aufgrund ihrer buchstäblichen Marginalisierung in den neoliberalen Gesellschaften dieser Welt – in Hospizen, Klöstern oder anderen Institutionen des Rückzugs allererst aufgesucht werden müssen. Auch Anna Halprins Tanzpraxis, die bis in ihre neunte Lebensdekade hinein reichte, und deren Wirkung werden in Janice Ross' Abhandlung als eine Kunst des Sterbens gewertet, die das Subjekt und dessen Verluste durchaus zu akzeptieren und zu transformieren sucht(e). Die zwei abschließenden Beiträge ergänzen den Band aus einer kulturhistorisch-komparatistischen Perspektive. Sie fragen nach ähnlichen künstlerischen Motiven bei Choreograf_innen, die das Altern auf die Bühne brachten, und kartografieren diese Korrespondenzen über kulturelle, mediale und epochale Grenzen hinweg. Augenfällig ist an diesen Kapiteln, dass es ein wiedererwachtes Interesse für die menschliche Hand gibt: Mark Franco wird auf sie in den späten Auftritten von Martha Graham und Merce Cunningham als einen Körperteil aufmerksam, der trotz des Alterns mobil bleibt, eine eigene Sprache 'spricht' und dessen Gestik als "the shorthand of dance" (S. 155) zu betrachten ist. Nanako Nakajima nimmt Yoshito Ohnos Lecture Performance Figures of Life zum Anlass, um uns mit Ōno Kazuos Butoh, seinen Gesten und sogar mit seinem Handschütteln in Berührung zu bringen. Der Band, seine Vielstimmigkeit und plastischen Zugriffe zeugen neben den Herausforderungen alternder Tänzer_innen auch davon, dass vor allem die Zuschauer_innen und Kritiker_innen des Alterns auf der Bühne in eine schwierige Situation versetzt werden: Sie müssen das konsensuelle Verständnis darüber, was Tanz sein kann, verabschieden und nach neuen Maßstäben, ästhetischen Kategorien und Körperkonzepten suchen. Das vorliegende Buch ist ein erster und wichtiger Schritt in diese Richtung.

Saudi Arabia and Iran have often behaved as serious rivals for influence in the Middle East and especially the Gulf area since at least Iran's 1979 Islamic Revolution and the 1980-88 Iran-Iraq War. While both nations define themselves as Islamic, the differences between their foreign policies could hardly be more dramatic. In most respects, Saudi Arabia is a regional status quo power, while Iran often seeks revolutionary change throughout the Gulf area and the wider Middle East with varying degrees of intensity. Saudi Arabia also has strong ties with Western nations, while Iran views the United States as its most dangerous enemy. Perhaps the most important difference between the two nations is that Saudi Arabia is a conservative Sunni Muslim Arab state, while Iran is a Shi'ite state whose senior politicians often view their country as the defender and natural leader of Shi'ites throughout the region. The rivalry between Riyadh and Tehran has been reflected in the politics of a number of regional states where these two powers exercise influence including Iraq, Lebanon, Syria, Egypt, Bahrain and others. The 2011 wave of pro-democracy and anti-regime protests known as the "Arab Spring" introduced new concerns for both Saudi Arabia and Iran to consider within the framework of their regional priorities. The Saudi-Iranian rivalry is therefore likely to intensify as a central feature in the Middle Eastern security landscape that reaches into both the Gulf region and the Arab-Israeli theater. This is a reality that will touch upon the interests of the United States in a number of situations. In many instances, Saudi opposition to Iran will serve U.S. interests, but this will not occur under all circumstances. Saudi Arabia remains a deeply anti-revolutionary state with values and priorities which sometimes overlap with those of Washington on matters of strategic interest and often conflict over matters of reform and democracy for other Middle Eastern states. Additionally, in seeking to support Middle Eastern stability, the United States must be prepared to mediate between Riyadh and Baghdad, and thereby help to limit Iranian efforts to insert itself into Iraqi politics. ; "December 2011." ; Includes bibliographical references (p. 63-78). ; Introduction -- The background of Saudi-Iranian relations -- Saudi-Iranian competition in the Gulf area -- The March 2011 Saudi-led intervention in Bahrain and the Iranian response -- Saudi Arabia and the Syrian-Iranian relationship -- Saudi-Iranian competition in the Palestinian territories and Lebanon -- The Saudi-Iranian rivalry and the future of Iraq -- Conclusions. ; Saudi Arabia and Iran have often behaved as serious rivals for influence in the Middle East and especially the Gulf area since at least Iran's 1979 Islamic Revolution and the 1980-88 Iran-Iraq War. While both nations define themselves as Islamic, the differences between their foreign policies could hardly be more dramatic. In most respects, Saudi Arabia is a regional status quo power, while Iran often seeks revolutionary change throughout the Gulf area and the wider Middle East with varying degrees of intensity. Saudi Arabia also has strong ties with Western nations, while Iran views the United States as its most dangerous enemy. Perhaps the most important difference between the two nations is that Saudi Arabia is a conservative Sunni Muslim Arab state, while Iran is a Shi'ite state whose senior politicians often view their country as the defender and natural leader of Shi'ites throughout the region. The rivalry between Riyadh and Tehran has been reflected in the politics of a number of regional states where these two powers exercise influence including Iraq, Lebanon, Syria, Egypt, Bahrain and others. The 2011 wave of pro-democracy and anti-regime protests known as the "Arab Spring" introduced new concerns for both Saudi Arabia and Iran to consider within the framework of their regional priorities. The Saudi-Iranian rivalry is therefore likely to intensify as a central feature in the Middle Eastern security landscape that reaches into both the Gulf region and the Arab-Israeli theater. This is a reality that will touch upon the interests of the United States in a number of situations. In many instances, Saudi opposition to Iran will serve U.S. interests, but this will not occur under all circumstances. Saudi Arabia remains a deeply anti-revolutionary state with values and priorities which sometimes overlap with those of Washington on matters of strategic interest and often conflict over matters of reform and democracy for other Middle Eastern states. Additionally, in seeking to support Middle Eastern stability, the United States must be prepared to mediate between Riyadh and Baghdad, and thereby help to limit Iranian efforts to insert itself into Iraqi politics. ; Mode of access: Internet.

"An in-depth look at the life of Oakland, California native, Barclay Simpson, Strong Ties focuses on the set of convictions and leadership qualities that allowed Simpson to build a successful business from nothing and to become one of the major philanthropists in the San Francisco Bay Area. A Navy pilot during World War II, he didn't graduate from college until over twenety years after he dropped out of UC Berkeley in 1946 to help save his father's Emeryville-based window screens business from bankruptcy. Largely self-taught, he went on in 1956 to found Simpson Manufacturing Co, Inc., which he grew from a small, artisan business that fabricated metal connectors into a world-wide, publicly-traded company, known throughout the construction industry as a manufacturer of over 4000 distinct, highly engineered products for tying one structural element to another in residential and commercial projects. In building the company, he developed a set of company principles-revolutionary for their times-that placed employees at the center of his business. Central to these principles was a compensation system that included broad-based, quarterly profit-sharing along with employee development and education programs that promoted hiring from within the ranks of the company, thereby allowing employees to build life-long careers in which many were able to go from hourly production line labor to management. As US companies increasingly grapple with the role of capitalism in giving back to their employees and the communities in which they are based, Barclay Simpson's philosophy makes for a particularly unusual and relevant American business story. Equally pertinent in these volatile times is the story of how he successfully transferred his core business principles to his philanthropic work, providing major financial and in-kind support to such East Bay non-profit organizations as UC Berkeley, Girls Inc of Alameda County, the California College of the Arts, the Oakland Museum, the California Shakespeare Theater and many others, with a special focus on the arts and the education of low income kids. A story of Barclay Simpson's leadership style as both a business man and a philanthropist, Strong Ties chronicles the astounding continuity between his views on making money, and giving it away"--

Why do children and young people need art? How do we rationalize the significance of art in society? This anthology is based on research carried out by members of the multidisciplinary research group Art and Young People at the Faculty of Fine Arts of the University of Agder in Kristiansand.

The contributing authors argue in favor of research into children's and young people's actual experience of art and artistic practices as well as issues within the arts that affect them indirectly. The book's subtitle indicates a desire to employ a wider understanding of the notions of art and childhood and youth, which is also evident in the themes, content and research approaches it includes.

The chapters span both children's and young people's interaction with visual art, music, theater within and outside the context of preschool, school and extracurricular programs, and projects that are more on the periphery of these areas. The authors are thus not just interested in the importance of art to children and young people, but to society in general as well. This anthology is aimed at readers across a broad spectrum of academic disciplines, but will also be of interest to all those concerned with art's place and meaning in schools, in society, and in research itself. - Hvorfor trenger barn og unge kunst? Hvordan begrunnes kunstens betydning i samfunnet? Denne antologien tar utgangspunkt i forskning utført av medlemmer av den tverrfaglige forskningsgruppen Kunst og barn & unge ved Fakultet for kunstfag, Universitetet i Agder i Kristiansand.

Forfatterne argumenterer både for betydningen av å forske på barn og unges møter med kunst og kunstnerisk praksis direkte og det å forske på kunstfaglige problemstillinger som indirekte berører barn og unge. Bokens undertittel peker på et ønske om å anvende en utvidet forståelse av begrepene kunst og barn og unge, som også kommer til uttrykk i antologiens temaer, innhold og forskningstilnærminger.

Kapitlene omhandler både barn og unges omgang med visuell kunst, musikk og teater i og utenfor barnehage, skole, kulturskole, og prosjekter som er mer i randsonen av denne målgruppen. Forfatterne er derfor ikke bare opptatt av hvilken betydning kunst og kunstnerisk praksis har for barn og unge, men også for samfunnet generelt. Antologien retter seg mot et bredt fagfelt og kan være interessant for alle som er opptatt av kunstens plass og betydning i skole og samfunn og i forskningen selv.

"A coming-of-age memoir of life on the frontlines of the AIDS Crisis with ACT UP New York. From the moment Ron Goldberg stumbled into his first ACT UP meeting in June 1987, the AIDS activist organization became his life. For the next eight years, he chaired committees, planned protests, led teach-ins, and facilitated their Monday night meetings. He cruised and celebrated at ACT UP parties, attended far too many AIDS memorials, and participated in over a hundred zaps and demonstrations, becoming the group's unofficial "Chant Queen," writing and leading chants for many of their major actions. Boy with the Bullhorn is both a memoir and an immersive history of the original New York chapter of ACT UP, the AIDS Coalition to Unleash Power, from 1987 to 1995, told with great humor, heart, and insight. Using the author's own story, "the activist education of a well-intentioned, if somewhat naïve nice gay Jewish theater queen," Boy with the Bullhorn intertwines Goldberg's experiences with the larger chronological history of ACT UP, the grassroots AIDS activist organization that confronted politicians, scientists, drug companies, religious leaders, the media, and an often-uncaring public to successfully change the course of the AIDS epidemic. Diligently sourced and researched, Boy with the Bullhorn provides both an intimate look into how activist strategies are developed and deployed, as well as a snapshot of life in New York City during the darkest days of the AIDS epidemic. On the occasions where Goldberg writes outside his personal experience, he relies on his extensive archive of original ACT UP documents, news articles, and other published material, as well as activist videos and oral histories, to help flesh out actions, events, and the background stories of key activists. Writing with great candor, Goldberg examines the group's triumphs and failures, as well as the pressures and bad behaviors that eventually tore ACT UP apart. A story of ordinary people doing extraordinary things, from engaging in outrageous, media-savvy demonstrations, to navigating the intricacies of drug research and the byzantine bureaucracies of the FDA, NIH, and CDC, Boy with the Bullhorn captures the passion, smarts, and evanescent spirit of ACT UP-the anger, grief, and desperation, but also the joy, camaraderie, and sexy, campy playfulness-and the exhilarating adrenaline rush of activism"--