Das Buch beschreibt die Herausforderungen, die sich der Kulturbereich mit Blick auf die Digitalisierung stellen muss, und befasst sich mit folgenden Fragen: Welchen Herausforderungen muss sich der Kulturbereich mit Blick auf die Digitalisierung stellen? Welche Veränderungen treten bei künstlerischen Produktionen ein? Wie sehen die neuen Verbreitungsformen von künstlerischen Inhalten aus? Was ist zu beachten, wenn aus künstlerischen Werken Content wird? Wie werden die Lebensbedingungen dieser Content-Produzenten durch das Urheberrecht gesichert? Wie gestaltet sich europäische und nationale Medienpolitik im digitalen Zeitalter? Was bedeutet der Vorschlag einer Kulturflatrate? Wie verändert sich das wissenschaftliche Publizieren durch die Digitalisierung und was wollen Wissenschaftler? Was können Verlage in Zeiten der Digitalisierung leisten?
"In Programmen zur 'Kunst im öffentlichen Raum', die Anfang der 70er Jahre die' Kunst am Bau' Regelungen ablösten, wurden durch die Übernahme sozialpolitischer Konzepte besipielhafte Legitimationen für die öffentliche Förderung zeitgenössischer Kunst versucht, die auf eine Demokratisierung der Gesellschaft zielen. Vier Modelle der 'Politikbegründung' sind unterscheidbar, die ganz ähnlichen Formen auch in anderen Sektoren der Kulturpolitik auftauchen: 1. 'Kunst im öffentlichen Raum' als 'Galerie in der Stadt': Kunstwerke werden als Werte begriffen, die nach dem Modell sozialpolitischer Umverteilung im öffentlichen Raum der Stadt verteilt werden. 2. 'Kunst im öffentlichen Raum' als 'soziale Infrastruktur': Auch dieses Infrastrukturkonzept folgt dem Verteilungsparadigma, jedoch nicht als Umverteilung von Wert, sondern von Qualifikation, hier der 'Kreativität' als moderner Schlüsselqualifikation, im Sinne von Chancengleichheit. 3. 'Kunst im öffentlichen Raum' als engagierte Aufklärung: die Berechtigung von öffentlicher Kunstförderung wird in diesem Konzept nicht aus einem Umverteilungsmodell von Werten oder Qualifikationen, sondern aus einer aufklärerischen Informationsleistung begründet, die Kunst und Kultur kennzeichnet. 4. 'Kunst im öffentlichen Raum' als Suche nach dem 'demokratischen Denkmal': Das legitimierende Ziel von Kunstförderung wird in kollektiver Symbolisierung gesehen, wie sie das Denkmal als 'klassische' Form öffentlicher Kunst leistet. 'Kunst im öffentlichen Raum', die diesem Gedanken verpflichtet ist, versucht glorifizierende Traditionen des Denkmals zu vermeiden und in kritisch-problematisierender Weise auf teils gebrochene, teils vergessene demokratische Grundlagen als Ausgangspunkte neuer kollektiver Identität zu verweisen. Trotz beeindruckender Objekte, die im Rahmen der einzelnen Konzepte entstanden sind, haben sich die jeweiligen Begründungen nicht als dauerhaft und überzeugend erwiesen. Sie entsprechen nicht den Arbeits- und Entwicklungsbedingungen zeitgenössischer Kunst. Gegenwärtig dominiert eine 'Kunst im öffentlichen Raum, die 'Raum' als künsterisches Material und nicht als politisches Medium begreift. Damit ist das Legitimationsprogramm, das über die Einbindung von Kunst in den öffentlichen Raum gelöst werden sollte, wieder offen. Von dieser Begründungsunsicherheit, die sich an der 'Kunst im öffentlichen Raum' bespielhaft nachvollziehen läßt, ist gegenwärtig die gesamte Kulturpolitik geprägt." (Autorenreferat)
Unsere Aufmerksamkeit stellt die wertvollste Ressource dar, über die wir verfügen. Im Effektgewitter kommerzieller Internetplattformen wie Facebook, Twitter, Instagram oder TikTok wird sie jedoch permanent überspannt. Jenny Odell plädiert in ihrem Buch auf eindrückliche Weise für ein radikales Innehalten, statt unsere kostbare Freizeit weiter an die kurzfristigen Verlockungen der Aufmerksamkeitsökonomie zu verschwenden. Nur über bewusste Formen des Nichtstuns finden wir heute noch zu uns selbst: etwa wenn wir uns phasenweise wieder in unsere natürliche Umgebung zurückzuziehen lernen, die Kunst der Naturbeobachtung kultivieren und authentische Begegnungen mit anderen zulassen. Odell versteht ihre Anleitung zum Nichtstun gleichsam als Akt des politischen Widerstands, um der notorischen Selbst- und Naturzerstörung im Kapitalismus etwas entgegenzusetzen und die Forderung nach demokratischer Partizipation und Solidarität mit Leben zu erfüllen. (Verlagstext)
Die Geschichte von Performance und Kunst lässt sich vergleichen mit dem Interesse sozialwissenschaftlicher Forschung an Kulturkritik und Kommentierung. Verfahren und theoretische Anlehnung hierfür finde ich in der anthropologischen Feldforschung, die ich bemühe, um die Performance Salle C der in Montreal ansässigen Künstlerin Olivia BOUDREAU zu analysieren. Die Erforschung von Performances durch Ethnografie ermöglicht eine reflexive, kontext- und zeitabhängige Annäherung, die sowohl den Perspektiven der Künstler/innen als auch der Besucher/innen Rechnung trägt. Es geht dabei um Interpretationen, die nicht auf das traditionelle Feld formaler und materialer Kulturanalysen beschränkt sind, sondern eine ethnografische Annäherung an Performances und eine performative Wertschätzung von Publikum und Künstler/in beinhalten.
Der Autor diskutiert die Auswirkungen der nationalsozialistischen Raubkunststrategie zwischen 1933 und 1945. Diese steht im Zusammenhang mit den Begriffen 'NS-Raubkunst', 'Entartete Kunst' und 'Beutekunst' (von deutschen Kriegsgegnern erbeutete Kunst). Im Folgenden unternimmt der Verfasser eine Begriffsklärung sowie eine Chronologie der Bemühungen um ein Regelwerk und eine Konfliktlösung zwischen alten und neuen Besitzern der Kunstwerke. In diesem Zusammenhang zeigt der Autor auf, dass für eine Konfliktlösung heute weniger die Rechtslage als die Faktenlage ausschlaggebend ist. Dies gilt sowohl für 'Raub-' und 'Beutekunst' als auch für offene Fragen der Auswirkungen der Aktion 'Entartete Kunst'. Der Verfasser ist der Auffassung, dass erst dann über weiterreichende Lösungen nachgedacht werden kann, wenn über die Aufenthaltsorte der Kunstwerke gesichertes Wissen vorliegt und der Zugang zu den Werken möglich ist. (ICC2)
"Kulturpolitik muss Position beziehen, denn erst wenn Positionen und Ziele geklärt sind, können wir uns orientieren. Kulturpolitik muss die (neuen) Inhalte und Produktionsweisen der Künste und kulturellen Bildung reflektieren. Dies ist für die Begründung ihres öffentlichen Auftrages konstitutiv. Der öffentliche Auftrag muss für jeden Kulturbereich gesondert herausgearbeitet werden. Kulturpolitik folgt dem Leitbild des 'aktivierenden Staates', setzt auf bürgerschaftliches Engagement und Verantwortungspartnerschaft auch mit der Wirtschaft. Der öffentliche Auftrag von Kulturpolitik ist in diesen Zusammenhang eingebettet, kann jedoch von der Bürgergesellschaft allein nicht gewährleistet werden. Die kulturelle Grundversorgung ist durch Staat und Kommunen zu garantieren. Plädiert wird für eine kulturpolitische Offensive, die - von 'Kulturpolitik als Gesellschaftspolitik' grundlegend begründet - die Kraftfelder 'Kunst' und 'kulturelle Bildung' stärkt." (Autorenreferat)
